La legendaria banda brasileña Nação Zumbise presentará por primera vez en Madrid el próximo 24 de julio en la Sala Mon Madrid, con un único concierto en España dentro de su gira europea. La ocasión no es menor: se celebran los 30 años de "Da Lama Ao Caos", su influyente álbum debut que marcó un antes y un después en la música brasileña contemporánea.
Lanzado en 1994, "Da Lama Ao Caos" fue toda una revolución musical. Su sonido mezcla ritmos tradicionales del noreste de Brasil como el maracatu, con rock, funk, psicodelia y otras influencias africanas y urbanas. Este álbum se convirtió en la piedra angular del llamado Movimiento Manguebeat, que cambió para siempre la escena cultural de Brasil.
La formación actual, liderada por Jorge Du Peixe e integrada por varios miembros originales, promete un directo vibrante y enérgico, interpretando los temas esenciales de este disco icónico. Una oportunidad única para descubrir (o redescubrir) una de las bandas más influyentes del panorama latinoamericano.
El evento está producido por Janela Brasil y Alessandra D’Agostino Producciones, con el apoyo de La Parcería, Radio Gladys Palmera y la colaboración del portal especializado Percuforum.
Además de Madrid, la gira pasa por Koblenz, Berlín, París, Ámsterdam, Dublín y Londres.
AYOM es un grupo musical que fusiona sonidos brasileños, tropicales, afrolatinos y afro lusitanos, influenciado por la cultura cosmopolita de Lisboa y Barcelona. El proyecto se originó cuando Jabu Morales conoció a Alberto Becucci y Timoteo Grignani en Barcelona, donde comenzaron a componer música que mezcla ritmos de todo el mundo.
Su nombre, AYOM, hace referencia al "Señor de la Música" de la mitología afrobrasileña, simbolizando una conexión con las tradiciones musicales y culturales. La banda está compuesta por la brasileña Jabu Morales, conocida por su voz y habilidades virtuosas en percusión; Alberto Becucci, acordeonista italiano; Timoteo Grignani, percusionista italiano e investigador de ritmos; Ricardo Quinteira, guitarrista angoleño; Walter Martins, músico y DJ angoleño; y Francesco Valente, bajista italiano especializado en música brasileña y afro.
F: ¡Hola, Jabu! Para quién aún no te conocen ¿podrías contarnos un poco sobre ti y tu trayectoria musical?
Jabu Morales: Hola, soy Jabu, es un placer hablar con vosotros. Soy de Minas Gerais, llegué a España en 2008 y vine a estudiar música en el conservatorio Liceu y mi escuela de vida siempre ha sido la cultura popular de Brasil (ahí llamamos “brincadeiras populares”).
Desde muy joven empecé con la capoeira, después en 2000 conocí el Maracatu, una manifestación muy potente de Noreste de Brasil, que es como la coronación de los reyes negros, que tiene una percusión muy potente que acompaña las salidas que hacen en el carnaval.
Siempre ha sido esta mi herramienta de comunicación, las manifestaciones con su oralidad, con su cuerpo muy activo y con la integración entre los que escuchan y los que cantan como si fuera un baile, un circuito que se tiene que cerrar.
En 2010 grabé mi primer disco con mis composiciones, en 2015 el segundo disco y siempre estuve en proyectos con mucha gente y me encanta coordinar y dirigir.
Entonces, llegué a España y fundé un grupo de maracatu: Maracatu Mandacaru, y con esta gente hemos traído maestros para impartir talleres y conocí mucha gente, mis alumn@s se convertirán en mis amig@s. Estoy también en un grupo de mujeres que estuvimos activas por algunos años que se llamó Tambor de Saia, que era percusión y voces, haciendo un recorrido por las culturas populares de Brasil.
Y también en 2015-2016, fundé un cuarteto de forró, que es un género de Brasil, también con mujeres, que se llama Madame Baião , con estas chicas trabajamos hasta hoy. En 2018 conocí a un grupo de músicos multiculturales, italianos, griegos y angolanos, y empezamos a componer juntos y con esta gente fundamos Ayom, que es el proyecto que trabajo actualmente,
Con Ayom viajo muchísimo por Europa, es mi actual familia, empresa, terapia, toda la vez. Actualmente estamos con Ayom estrenando el segundo álbum, que se llama Sa.li.va, producido por un grandísimo artista de Brasil que se llama Kastrup, que también se ganó un Grammy por el disco que produjo Elza Soares, se llama Mulher do fim do mundo.
Estamos trabajando los conciertos de release del disco Sa.Li.Va en Barcelona, Madrid, Tarragona, Lisboa y Firenze.
F: En Festivaleros hemos seguido tu carrera desde los inicios de Ayom. ¿Podrías compartir cómo fueron los comienzos de la banda y cómo ha evolucionado tanto musical como personalmente con los miembros actuales?
J.M: Me alegra mucho que habéis seguido el camino y los pasos de Ayom desde el principio. Ayom fue como un fruto de los encuentros, que Barcelona tiene este magnetismo, es una ciudad que crea encuentros así muy inusitado y muy potentes, entonces nos conocimos ahí.
Yo tenía una noche semanal en Diobar, que es una sala de world music en Barcelona, y los chicos estaban de paso por la ciudad. Tenían un proyecto de forró y nos conocimos porque vinieran tocar en Diobar. Ahí nos encontramos y hubo ya un buen rollo desde el principio y seguimos hablándonos. Yo antes componía sola y desde entonces empezamos a componer juntos.
Yo buscaba un proyecto, una banda para mis canciones y mis composiciones y ellos buscaban una compositora y una vocalista para su proyecto. Ellos tocaban antes forró y querían ampliar un poco el repertorio, muy empapados y enamorados de la musicalidad de Lisboa, que son músicas afro lusitanas, músicas de Angola, Cabo Verde y Brasil.
Esto para mí resultó muy fascinante porque hay una similitud tremenda de esta sonoridad y conocía poco. Entonces, he podido profundizar más en estos nuevos colores que los veía muy, muy afines, de la música brasileña, pero tenían otros matices, que es la música de Cabo Verde y Angola
Ellos me han traído esta oportunidad y ahí empezamos a componer y decidimos grabar para tener, como sí, muchas pretensiones, para tener una idea de lo que podía ser este encuentro. Salió el primer disco "Ayom" y tuvo un reconocimiento muy impresionante. Luego, conocimos gente que estuvo dispuesta a ayudarnos, como agentes, managers y todo esto, y de ahí nació el Ayom.
Ahora pensando en lo que fue para cómo está el segundo disco, cómo evolucionamos musicalmente y a nivel de estructura, hemos visto que al principio la cosa cogió fuerza muy instantáneamente, sin pretensiones, y hemos avanzado mucho sin darnos muy bien cuenta del camino que hacíamos.
Ahora es como haber organización y ahorro de energía y percibir dónde se optimiza más la energía que se tiene que poner entre componer las músicas, los arreglos, organizar las ideas...
La estructura hay que tenerla, para que esto se convierta en algo concreto y que logremos alcanzar en los países y comunicar bien y que los esfuerzos para hacer conciertos y tocar en festivales se puedan poner en una cadena en que esto siga avanzando y que podamos seguir comunicando con los públicos locales, con los periodistas.
Como todo, tiene que entrar en una estrategia más a corto plazo, a largo plazo, y para organizar todo esto hace falta una expertise que los artistas van ganando con los años en los escenarios
Los agentes y managers tienen más claro estas estrategias. Hemos visto con los pasos de los años, cómo poco a poco vamos enterándonos de cómo aprovechar mejor la energía para que podamos dejar la gran parte de la energía fresca, mental, artística, para la parte musical, que es lo que hacemos de mejor.
F: Han estado de gira por Europa, tocando en diversas salas y festivales. ¿Tienes alguna anécdota especial o algún momento memorable que te gustaría compartir con nosotros?
J.M: Bueno, después de haber girando tanto y haber tocado en salas y festivales, hubo una historia muy curiosa cuando era el momento de la pandemia, todo el mundo encerrado con mucho miedo y incertidumbre.
Recibimos una invitación para tocar para la nochevieja en un isla privada en las Maldivas. Pensamos al principio que era en broma, que era un timo o algo absurdo, y al final no, fue algo real. El organizador nos encontró por internet, le pareció curiosa nuestra música y nos invitó. Toda la organización fue impresionante, hubo muchas pruebas de Covid antes, los billetes a Maldivas eran absurdamente caros, pero ellos se encargaron de todos los gastos.
Finalmente fuimos, tocamos en un restaurante para treinta personas, con medidas de distancia Covid del escenario hasta el público, Tocamos el primer día, y la noche del 31. Decidimos además, de hacerle una fiesta para el staff, porque estábamos en una parte reservada de la isla, sin contacto con los huéspedes, y había unas cuatrocientas personas del staff para atender a cien personas invitadas.
El concierto para el staff fue muy divertido, lo pasamos genial, fue increíble, nadie se podía creer lo que estaba pasando.
Una de las cosas bonitas de haber tocado tanto es de darse cuenta que el público llega a un punto de emoción y de catarsis. Sobre todo los que no entendían las letras, sentían muy tocados y muy conmovidos por la carga emocional que allí compartíamos, y tocados por la fiesta y la celebración que tenemos en los conciertos y esto desde el principio.
Hemos visto que al entender el background cultural de cada uno de nosotros en el escenario se crea una empatía hacia nosotros. Esta complicidad que tenemos con el público es la emoción. A raíz de esta emoción nació el segundo álbum Sa.li.Va.
F: Vuestro nuevo álbum Sa.Li.Va, acaba de salir. ¿Cuál es su historia y cómo han sido las colaboraciones en este proyecto?
J.M: Pues, el Sa.Li.Va surge de esto que compartí, justo antes. Hemos visto que la gente se conecta y se emociona mucho, y no es como las miradas y los que vienen al final del concierto, no es algo distinto es como una luz.
Cuando tocamos en sitios donde hace frío, la gente dice que los llenamos el alma de esta experiencia, os vamos a calentar todo el invierno y que ha sido potente, que ha sido muy emocionante.
Personas que nos dicen: "No me entero de la letra, de lo que has cantado, pero me invadió una emoción muy fuerte, o sea, cosas muy profundas. Entrarán las ganas de que el lenguaje no nos apartara de la gente, pero que pudiéramos entender cómo conectar antes del lenguaje, que fuera como la emoción, el gran punto de comunicación, y de ahí surge Sa.Li.Va.
El agua desde el primer álbum es un elemento muy significativo para nosotros, pero el agua del Atlántico que conecta los pueblos y conecta a la gente y las culturas que nos inspiran.
Sa.Li.Va sería como este agua primordial, el agua anterior que todos tienen, que está presente en la comunicación. Y aparte de esta organicidad y que sea anterior al lenguaje, también Sa.Li.Va es un acrónimo de las pulsiones y de las emociones que nos inspiran a crear y a componer y hacer música,
Son canciones para el sagrado, el etéreo, el más allá del palpable, canciones para la libertad, el amor, el disfrute y la catarsis, y canciones para el valiente y lo que tiene que ser recontado, reajustado tiene que ser como de la protesta. Entonces, el Sa.Li.Va trae estas tres almas y la intención de comunicar más allá del lenguaje.
F:Vives en Barcelona desde hace tiempo y próximamente presentaréis vuestro disco en la sala Paral·lel 62. ¿Qué representa esta ciudad para ti en el plano musical y qué significa esta fecha para vosotros?
J.M: Ahora haremos la presentación del disco en Barcelona, en la sala Paral.lel 62 , también en Madrid, en Temple Club, y el 10 de noviembre en Tarragona, en un festival lindo de world music, que se llama Festival Sereia. Será en un convento en el medio de la naturaleza, en una instalación preciosísima por la mañana. Nos hace mucha ilusión todo esto y todas estas fechas en España.
Pues, tocar en Barcelona para mí es como volver a casa. La consagración en casa con mi familia, con mi gente. Es como presentar el diploma de formación para nuestros padres, así como cerrar el ciclo de haber tocado en todo el mundo, haber recibido los aplausos y el calor de todo el mundo, es lindo y en el alma, pero vivir esta experiencia en casa creo que nutre una parte muy profunda del artista, que es esta mezcla potente del reconocimiento profesional, cuando se combina también con una carga afectiva muy potente. Y esto significa tocar en Barcelona.
Musicalmente también poder compartir con gente que de verdad hizo parte de todo el recogido silencioso, este recogido duro, que no es lo que solemos compartir públicamente y poder compartir también musicalmente, es algo muy completo.
F: Por último, ¿qué planes tienen para el futuro? ¿Hay algún concierto o proyecto próximo que te emocione especialmente?
J.M: Ahora trabajamos en el estreno y toda la campaña de promover el Sa.Li.Va y, mientras tanto, vamos componiendo el tercer álbum que nos hace ilusión también. Y ahí tenemos previstas algunas relecturas, algunos clásicos que nos inspiran de canciones de Brasil, de Angola, Cabo Verde, canciones también de compositores de América Latina. Queremos ampliar un poco y hacer canciones también que canto en español. En este álbum Sa.Li.Va hay una canción en italiano y también queremos tener más canciones para los discos siguientes, para el tercer precisamente, y estamos trabajando en esto.
Es muy estimulante para nosotros sentir que nuestra música no cabe necesariamente en una etiqueta, que extrapola un poco los géneros predefinidos y tenemos hasta libertad artística para exprimirnos.
Entonces, esta situación es muy confortable, a la vez es muy desafiador encontrar maneras de definir el proyecto, explicar qué tipo de música hacemos. O sea, no hay estilo, es como un Ayom.
Entonces, volver a hacer un trabajo y un disco en que ya tenemos esta sonoridad de referencia, de cómo hacer lecturas de grandes clásicos, nos da mucho respeto para como no defraudar una expectativa de una escucha que ya tienes muy definida y crear algo absolutamente libre. Es muy emocionante y muy desafiador porque es como puede ser sorprendentemente para la escucha de los que conocen los antiguos clásicos, puede ser super lindo, pero también puede tocar en la sensibilidad de los que respetan los clásicos. Se tiene que mantener una expectativa, y esto tiene sus dos movimientos.
El festival João Rock celebrará su 20º aniversario en una edición histórica en Ribeirão Preto (Brasil) el 3 de junio.
Reuniendo a los más grandes nombres de la música brasileña, en más de 30 atracciones, repartidas en cuatro escenarios, que suman alrededor de 14 horas de música, sin descanso.
Para destacar las producciones independientes, el Palco Fortalecendo a Cena recibe a Borges, Major RD, Hyperanhas, Tasha & Tracie y Don L.
Entre las novedades de este año está el debut de Palco Aquarela, diseñado para representar la diversidad de la música brasileña. En esta edición, el nuevo espacio llega con un cartel formado por Flora Matos, Majur, Marina Sena, además de dos proyectos especiales: Manu Gavassi canta Fruto Proibido y Ana Carolina – canta Cássia Eller.
Las entradas de esta 20ª edición de João Rock. están agotadas y se esperan más de 75.000 personas de todo el país para celebrar este evento único.
Con más de dos docenas de atracciones, la mayoría inéditas en los escenarios brasileños, el C6 Fest debuta este año en el calendario cultural de Brasil, ofreciendo al público una programación diversa y multigeneracional. Fruto de una asociación entre C6 Bank y Dueto Produções, antiguo organizador del extinto Free Jazz Festival que existió entre 1985 y 2001.
El nuevo festival reunirá nombres consagrados y revelaciones de la música mundial, de diez países y cuatro continentes, en géneros que van del jazz al rock, del soul a la música electrónica, del MPB a la world music. Todo eso en cuatro espacios e instalaciones distribuidas dentro del Parque Ibirapuera, uno de los lugares más emblemáticos de la ciudad de São Paulo.
Río de Janeiro acogerá una versión compacta del festival, entre el 18 y el 20 de mayo, en Vivo Rio.
Aquí podéis encontrar el line up completo:
Rio de Janeiro
18/05: Kraftwerk, Underworld.
19/05: Domi & DJ Beck, Samara Joy, Jon Batiste.
20/05: Terno Rei, Black Country, New Road, The War On Drugs.
São Paulo
19/05: Xênia França, Dry Cleaning, Arlo Parks, Christine and the Queens, Tributo ao Zuza, Nubya Garcia, Julian Lage, Tigran Hamasyan, Disco Tehran, Gop Tun DJs.
20/05: Blick Bassy, Russo Passapusso & Nômade Orquestra com BNegão e Kaê Guajajara, Mdou Moctar, Jon Batiste, Model 500, Kraftwerk, Underworld, Feminine Hi-fi, Festa Luna, Pista Quente.
21/05: Black Country, New Road, Weyes Blood, The War on Drugs, Samara Joy, Domi & JD Beck, The Comet is Coming, 1973, Tim Bernardes, Caetano Veloso, Cremosa Vinil, Selvagem, Deekapz.
Con este disco, Bnegão & Seletores de Frequência ganó el VMB (Video Music Brasil) por Mejor Disco del año de la extinta MTV, en ese momento considerado el principal premio de la música hecha en Brasil. Sumado a esta hazaña, el álbum estuvo en los primeros lugares de todas las listas más relevantes de los mejores lanzamientos del año (entre los diarios y revistas más importantes del país).
Desde 2017, Casa Natura Musical ha celebrado la música y la cultura brasileña amplificando las voces de artistas, movimientos y colectivos de todo el país, descentralizando la cultura a través de su curaduría presencial y también de contenidos virtuales, que incluyen producciones informativas sobre la cultura brasileña, así como entrevistas, proyectos relacionados con la música, listas de reproducción entre otras. Cada año realizan más de 150 shows y reciben a más de 70 mil personas en Casa Natura Musical.
Aquí podéis comprar las entradas para asistir a Bnegão & Seletores de Frequência en São Paulo en la Casa Natura Musical el 4 de mayo.
En Festivaleros! nos gusta mucho la música brasileña, no solo por sus ritmos y su estructura sino por sus mensajes intrínsecos y su poesía potente. El concierto de Chico César en Barcelona no nos defraudó y nos ofreció una noche no solo emocionante sino llena de mensajes positivos y reivindicativos.
Al principio Chico Césarapareció solo en el escenario y cantó a capella su canción "Béradêro" y de una vez conquistó al público de la ciudad condal.
El siguiente tema fue “Mama Africa “, hit que cantó toda la sala. Chico César, leyenda de la música brasileña, lo sabía, así se empieza, y empezó muy bien una noche con este temazo.
Chico César nos ofreció su nuevo álbum con temas hechos en colaboración con el africano Salif Keita y el guitarrista Ray Lema. Sus músicos estaban muy conectados con el público presente.
Los momentos intensos de democracia que coinciden con la gira europea de Chico César tienen mucho que ver con su música. Los recordó Chico César diciendo “La democracia ha ganado, no hemos ganado todo, pero yo estoy contento”. El público cantó varias veces entre las canciones “Lula, Lula, fora Bolsonaro”.
Es cierto que la música de Chico César nos hace pensar, nos hace sentir más feliz, más presentes y unidos pero también nos hace reír como el tema “Bolsominion” del nuevo álbum Vestido de Amor.
Momentos únicos cuando Chico César mencionó a Jean Wyllys, diputado brasileño presente en la sala que huyó de Brasil porque se autoexilió por amenazas de muerte.
Momentos únicos cuando mencionó a Anna Tréa, guitarrista, cantora y compositora brasileña, presente también en el concierto. Dijo que la seguía en sus redes, que le gustaba mucho lo que hacía, que la acompañaba durante el período de confinamiento y compuso una canción de este difícil momento.
Mencionar también otros temas como la música folklórica de “Mamãe oxum na cachoeira”, los varios temas reggae muy presentes en la discografía de Chico César, la versión portuguesa del famoso tema "Diana" de Paul Anka, las varias canciones del álbum "O Amor É Um Ato Revolucionário" de 2019.
Chico César nos disparó su música como arma de unión entre tod@s, como dulce mensaje que podemos cambiar las cosas si estamos unidos (y con mucho humor) pero siempre con poesía y reivindicación.
Sigue su gira por Londres, Berlín, Paris, Marsella. Más que recomendable.
.jpg "Ayom : nuevo disco Sa.Li.Va")
