Che Sudaka nos entregan Almas Rebeldes, en el que retoman algunos de sus clásicos en colaboración con algunos grandes como Manu Chao, Amparo Sánchez, Jupiter & The Okwess o B-Negao, y también nos regalan nuevos temas que encierran un nuevo paso en su filosofía vital.
Todos sabemos que los Che Sudaka
son esa banda de amigos que viven dando la vuelta al mundo en una gira
que nunca se detiene. Entre los bultos de su equipaje tienen una maleta
de hacer alquimia que sirve para, de vez en cuando, destilar un disco.
Este trabajo tiene todos los elementos de un álbum de madurez, en el que canciones como La Mente o Los Objetivos, o auténticas perlas como Plegaria y Reflexiones, dan el contrapunto reposado a la eufórica fiesta denuncia que el grupo ha venido cultivando desde sus inicios. No obstante, ese espíritu festivo y la decidida apuesta por la alegría que los caracterizan siguen muy presentes con una selección de algunos de sus temas habituales, bien pulidos y acompañados por un lujo de colaboradores. Almas Rebeldes, Amores, Todo vuelve, La risa bonita y otras tantas con las que nos han hecho bailar kilómetros y kilómetros, en este disco suenan más redondas que nunca.
Podéis disfrutar ya de Almas Rebeldes en plataformas digitales como Spotify, Deezer o iTunes o encargarlo en formato físico en la web de El Tridente.
El contrabajista portugués Jorge da Rochapresentará su nuevo álbum ‘To drop and let go’ este domingo 15 de octubre en la Sala Hiroshima, en Barcelona. Además de interpretar los temas de este trabajo recién editado, también nos deleitará con canciones de su disco anterior ‘These are a few of my favourite songs’ (2016), sus versiones particulares de artistas contemporáneos como The White Stripes, Massive Attack, Björk, Bob Marley, Zeca Afonso oRadiohead. Será un espectáculo singular en el que el contrabajo y su voz son los protagonistas, con la ayuda de una loopstation. Podemos encontrar muchos sonidos diferentes, toda la textura del cuerpo del contrabajo, las percusiones, varias capas de voz y todos los efectos que hay por el medio. Una gran oportunidad para disfrutar de un músico que concilia su huella jazzística con el pop, el rock, la canción, lo alternativo y la electrónica, proponiendo nuevos caminos para llegar al alma y al corazón del espectador. Festivaleros! charlamos con Jorge da Rocha que nos habló sobre su música y su nuevo trabajo.
FESTIVALEROS!: Ya tocaste en diversos proyectos, paseando por el jazz, electrónica, flamenco, rock, pop, música clásica... ¿Cómo surgió la idea de tu proyecto solo? Explícanos un poco tu música. JORGE DA ROCHA: Es un poco por allí, después de haber tocado con un montón de grupos de jazz y varios estilos, siempre tenía las ganas de hacer mi cosa. Estudiando jazz, me sentía un poco obligado a estudiar ciertas cosas y tal. Vengo de pequeño de escuchar mucha más música pop, rock, alternativa y todo eso. Tenía esta cosa que me faltaba espacio para ser expresada. Otra cosa que pasó es que tenía muchas ganas de cantar, pero tenía vergüenza. Un día, decidí probar, empecé a cantar en la calle, en el Park Güell y vi que funcionaba. La gente se paraba, tenía una buena respuesta. Hasta que decidí ya meterme con esto. De allí la cosa fue evolucionando. Primero, empecé solo con el contrabajo, luego con un loop pequeño muy simple hasta que decidí grabar el disco y montar un nuevo show con un pedal de loop más complejo. Vino de esta necesidad de expresar algo más mío porque tocando con otros grupos siempre tienes que hacer concesiones, ideas y tal. Y así, hago las cosas a mi bola.
F!: ¿Cómo fue el proceso creativo de tu primer disco "These are a few of my favorite songs"? JR: Tengo algunos grupos que siempre me han impactado mucho como Radiohead, Björk, Massive Attack. Luego, una mezcla de mis temas realmente preferidos con los que se pueden adaptar mejor al contrabajo. He probado un montón de temas diferentes, pero hay algunos que por sus características de como ya están hechos se encajan mejor con este proyecto. Por ejemplo, el tema de White Stripes, al final lo decidí hacer porque para esta investigación de tocar el contrabajo y la percusión a la vez, me sentía muy cómodo. La frase permite el espacio que hay entre las notas para hacer esto. Entonces, esta fue una razón para hacerlo, no solamente porque era mi tema preferido. Hay otros temas que me gustan mucho más que este. Es una mezcla de temas que me gustan con alguna característica especial que tenía sentido hacerla con un contrabajo. La verdad es que estuvo guay porque empecé a investigar de verdad el instrumento. Habiendo estudiado jazz, tenía una forma muy de escuela de estudiar. Con estos temas, empecé a conocer más el instrumento, a buscar otros sonidos, otras formas de tocarlo. La idea era un poco esa: usar estos grupos como una excusa para investigar acerca del instrumento hasta que el resultado me pareció bueno para grabarlo en un disco. Entonces, dio también un poco más de justificación para este proyecto.
F!: ¿Qué podemos esperar de tu nuevo disco 'To drop and let go' que será lanzado el día 15 de octubre en la Sala Hiroshima, en Barcelona? JR: Son temas muy personales y las letras también son muy personales. Si el primero era una investigación, este es ya como una aplicación de lo que he investigado y de lo que he aprendido, transformando y aplicando a mis temas. Entonces, es un disco muy personal en cuanto al contenido porque habla de cosas muy internas, son sentimientos, transformaciones, mis miedos como artista, como persona. Este proyecto para mí es un poco atrevido en el sentido de que estoy solo en el escenario y a veces te da inseguridades... Habla de esto también, del contenido más emocional. Del contenido musical, bueno, es también un resumen de todo lo que he investigado y también de la música que me gusta. Entonces, hay temas que son un poco más alternativos, otros experimentan más con el sonido, luego hay un muy portugués, casi tradicional. "Raval" que suena más como músicas del mundo, muy árabe, flamenco, así una mezcla rara. Luego, el último tema es bastante música electrónica, que me encanta. Es un poco una mezcla de estilos, que es la fase que estoy ahora, quizás también me estoy buscando a mi mismo, cual es mi voz como artista. Este disco es más bien una búsqueda en este sentido. Y cuanto al nombre 'To drop and let go', el nombre también tiene que ver con el contenido. Era como cosas que realmente tenía la necesidad de liberar. Estaba en ellas hacía mucho tiempo, la necesidad de cogerlas, soltarlas y adiós. Va un poco de todo eso. F!: Este verano estuviste de gira por varias ciudades europeas, en diferentes configuraciones, tocando en la calle, en bares, en salas... ¿Puedes contarnos un poco sobre esta experiencia? JR: Me encantó la experiencia, sobre todo me dio para desarrollar más el proyecto. Lo que pasa es que toqué más los temas del primer disco. Al final de la gira los tenía súper afincados. Me sirvió también para tener musicalmente los temas más seguidos. Por otro lado, fue muy interesante porque tocar en tantos sitios diferentes, te das de cara con públicos muy distintos. Y también, de empezar a saber a manejar estos públicos. A veces, dependiendo del feedback que recibes, sientes, tocas de una forma o de otra. Entonces, fue muy interesante también por eso, por encontrar públicos muy distintos, reaccionar y relacionarme con esa novedad. Al ser varios festivales, varios sitios diferentes, acabas por conectar con otros artistas, te abre un poco los horizontes en cuanto también a contactos para seguir tocando por allí, proyectos también que te inspiran de artistas no solo de música. En algunos festivales, vi también cosas de teatro y marionetas que me han dado un aporte creativo. Fue muy interesante. Estuvo guay también por eso y simplemente por viajar, por ver sitios diferentes. F!: Nos puedes mencionar algunos artistas que te hayan llamado la atención. JR: Hay un grupo especial que me encantó, que se llaman Shishko Disco. Es muy interesante lo que hacen. La base del grupo es un guitarrista y una cantante que se conocieron y empezaron el grupo en Goa, en la India. El chico es de Israel y la chica no sé de donde es, pero viven en la India. Se juntaron y hacen una música muy especial, con mucha influencia árabe y de la India también, pero a la vez muy rockera, muy progresiva. Me pareció muy interesante.
F!: De la gira de este verano, ¿cuál fue el mejor concierto o el lugar más sorprendente? JR: Puedo mencionar tres sitios. Me encantó tocar en Pennabilli, en el Festival Artisti in Piazzaporque hay una muy buena energía en este sitio y la gente del festival me ha acogido muy bien. Con alguna gente de allí, de Pennabilli, hice la música para un corto, luego recomendaron mi música también en otro sitio. Me empezaron a salir muchas cosas a partir de esta conexión con Pennabilli. Luego Berna por la organización y por el público que era muy respetuoso, la gente se sentía muy agradecida de escuchar mi música. Luego, un concierto muy simple en el bar Pizzini, en Bamberg, Alemania. Allí también me gustó mucho porque después de hacer tantos festivales, de mucha calle, mucha gente, ir a un sitio pequeño donde la gente estaba muy atenta y fue precioso. Luego, me gustó mucho tocar en el Mercat de Música Viva de Vic. Estaba un poco nervioso porque sabía que había muchos programadores y gente del mundo profesional de la música, pero salió muy bien.
No todos los días encuentras leyendas musicales. Festivaleros! conocimos a uno de los mejores e influyentes saxofonistas y compositores - hasta hoy - de la música nigeriana: Orlando Julius. El saxofonista fue uno de los artistas cruciales para la invención, desarrollo y popularización del afro-pop. Empezando en los años 60, Julius fusionó sonidos tradicionales africanos con el pop, soul y R&B norteamericano. A la vez que actuaba y grababa en su Nigeria natal, pasó muchos años en los EE UU colaborando con otros artistas. Su álbum de 1966, "Super Afro Soul", le convirtió en una celebridad nacional en Nigeria, e incluso llegó a influir musicalmente en los EE UU. De James Brown a Fela Kuti pasando por Richie Havens o Marvin Gaye, todos le dicen gracias. Unos porque llevó el funk a África, otros porque les influyó o porque escribió algunos de sus grandes éxitos. Este año volvió al escenario del FMM Sines acompañado de los virtuosos brasileños Bixiga 70. (Leer aquí nuestra entrevista a Bixiga 70).
A parte del concierto, Orlando Julius y Latoya Ekemode fueron unos de los artistas invitados a los Talleres Infantiles con Músicos del FMM Sines de este año. Estuvimos con Orlando, Latoya y decenas de niños y niñas entre 6 y 12 años muy curiosos y motivados. Después del taller, Julius demostraba gran emoción y no paraba de contarnos la historia de cuando era niño y mientras su madre estaba tejendo, ella cantaba y él cogía su tambor y la acompañaba tocando y cantando. Así fue como empezó su música. Aquí os dejamos nuestra breve charla con Orlando Julius.
FESTIVALEROS!: ¿Puedes hablarnos sobre la highlife y tu manera especial de tocarla? ORLANDO JULIUS: Highlife empezó antes que yo naciera. Siempre cantaba canciones cuando era pequeño con mi madre mientras ella estaba tejiendo y a ella le encantaba y a mí también. Fue así como mi música realmente empezó. Todos los lugares dónde he ido en este mundo, siempre me acuerdo de ella porque fue ella que me empujó a cantar y bailar.
F!: Mañana vas a tocar con Bixiga 70 de Brasil. OJ: Son buenos amigos. F!: ¿Puedes contarnos cómo os habéis conocido? ¿Cómo fue la conexión? OJ: Vinimos aquí para lo que estamos haciendo ahora. A ellos les encanta mi música, afrobeat, highlife. Nos encontramos aquí en este festival, en 2015, cuando toqué con mi grupo. Nos reunimos, tocamos música juntos y fue genial.
F!: ¿Qué te parece la nueva generación que toca afrobeat, highlife, jujú? Por ejemplo, Bixiga 70. OJ: El afrobeat empezó después del highlife y por causa de esto, la música ha estado en todos los lados. En muchos lugares la gente ha escuchado mi música, la practica y la toca. Eso me hace muy feliz porque creo que una buena música es algo para nuestro mundo, que habla de paz, amor y felicidad y no a la guerra.
F!: ¿Puedes contarnos las colaboraciones importantes que hiciste a lo largo de tu carrera? OJ: Fueron muchas. Algunos venían a mí y decían que les gustaba mi música. A mi me gustaba lo que estaban haciendo, lo que estaban tocando en su idioma. Yo puedo aprender algunas letras e intentar cantar, traducir para mi idioma y cantar o cantar una parte en su idioma y una parte en mi idioma. Es genial porque la música del mundo está mejorando, no solo por mí, pero mucha gente está tocando música muy diferente.
F!: ¿Tocaste con Fela Kuti y otro músicos africanos? OJ: Fela Kuti empezó a estudiar la trompeta y yo el saxofón y la percusión. Cuando Fela empezó, él tuvo que venir a mi ciudad, la ciudad grande, para estudiar. Cuando él llegó, se acercó a mí y lo presenté a diferentes músicos de la ciudad. Fue así que él aprendió a tocar porque uno puede saber esta o aquella canción, pero para realmente aprender, uno necesita tocar con otros músicos que tocan muy buena música. Fue así que él empezó el afrobeat. Su hermano es un gran amigo mío. F!: ¿Qué estás escuchando últimamente? OJ: En casa escuchó mucha música diferente, de India, en yorubá... La música es algo muy interesante en el mundo, porque el idioma no es el mismo, pero cuando cantas lo disfrutas más que si hablaras. A veces no entiendo el idioma, pero me gusta la música. Cuando me explican lo que están cantando, me ayuda mucho no solo a gustar la música, pero a gustar lo que están cantando.
DakhaBrakha es el cuarteto ucraniano formado por Nina Harantska, Iryna Kovalenko, Olena Tsybulska y Marko Halanevych que crea un mundo de nueva música inesperada gracias a su "ethno-chaos". DakhaBrakha fue creado en 2004 en el Centro Kyiv de Arte Contemporáneo «DAKH» por el director de teatro de vanguardia Vladyslav Troitskyi. En el estilo de actuar del grupo, en su imagen y en su vestuario también se nota mucha influencia del teatro.
Además de haber experimentado con la música folk ucraniana, el grupo ha añadido ritmos del mundo en su música. Acompañados por instrumentos tradicionales indios, árabes, africanos, rusos y australianos, el potente rango vocal del cuarteto crea un sonido transnacional arraigado en la cultura ucraniana. Este verano, pudimos disfrutar de su directo intenso y fascinante en la 25ª edición del Sziget Festival y luego charlamos con Marko Halanevych sobre su música.
MARKO HALANEVYCH: Fuimos a Brasil. Estuvimos en Paraty y Ouro Preto actuando en el Mimo Festival en octubre del año pasado. Gran festival y público fantástico que no paraba de bailar y aplaudir. ¡Genial! FESTIVALEROS!: Vosotros habéis actuado en muchos países, donde la gente no entiende las letras de vuestras canciones, pero están encantados con vuestra música. ¿Qué hay en vuestra música que es tan aceptada por personas de diferentes culturas? MH: Creo que la música es una lengua universal y la gente puede sentirla, la energía, la emoción. Eso es mucho más importante. Si tienes buena música, es buena en todos los lados, sin importar las letras de las canciones. Soy gran fan de Astrud Gilberto, pero no entiendo lo que canta y aún así me encanta. Su sonido es dulce y atmosférico.
F!: ¿Por qué describís vuestra música como "ethno chaos"? MH: Cogemos diferentes tradiciones étnicas, diferentes culturas étnicas, las mezclamos y creamos una nueva realidad musical. Como somos ucranianos, es música étnica ucraniana y caos porque mezclamos todo. No tenemos fronteras, tocamos culturas diferentes con instrumentos diferentes. No tenemos ninguna medida, con excepción a nuestro buen gusto.
F!: ¿Cuáles son las principales características de la música ucraniana? MH: Si te refieres a la música tradicional, auténtica, sería el canto polifónico, que es muy diferente. Ucrania es un gran país, con diferentes regiones. Estas tradiciones de canto polifónico son diferentes en partes diferentes del país. Además, hay una tradición muy rica de canto. Muy potente. Hay miles y miles de canciones tradicionales en Ucrania. Si te refieres a la música contemporánea de Ucrania es claro que es similar a cualquier música europea u otras músicas. Por eso, es interesante para nosotros hacer algunos experimentos con tradiciones étnicas para poder presentar algo único para el público. Cada cultura étnica tiene su propia tradición musical. No hay mejor o peor porque son diferentes. Por eso es interesante utilizar diferentes tradiciones étnicas. Dar nueva vida a la música antigua.
F!: Habéis lanzado el nuevo álbum "The Road" el año pasado. ¿Puedes hablar un poco sobre este álbum? ¿Sobre la evolución de vuestra música hasta este álbum? MH: En todas estas canciones normalmente algún de nosotros es el líder. Los cuatro en el grupo podemos ser el líder en una de las canciones. Normalmente intentamos hacer todos juntos, pero, ahora intentamos que cada uno coja su canción e intente crear algo, por ejemplo, un solo.
F!: ¿Qué estás escuchando últimamente? MH: Escucho a diferentes tipos de música. Los músicos de Mali, por ejemplo, Tinariwen, o la brasileña Astrud Gilberto, pero no solo música étnica. También recibimos mucha inspiración del minimalismo clásico y de compositores como Michael Nyman y Philip Glass, música electrónica y muchas músicas diferentes. Viajamos mucho y vamos a muchos festivales, entonces siempre podemos ver algo nuevo e interesante.
El FMM Sines - Músicas do Mundo fue uno de los 26 festivales europeos galardonados con el EFFE Award, además de ganar 3 premios del Iberian Festival Awards 2017. Durante los seis días de música en Sines, seguidos de 3 días en Porto Covo, nos empapamos con la gran calidad musical de los grupos que vinieron de varios rincones del mundo. En Sines los conciertos se distribuyeron en varios espacios: Pátio das Artes, Largo Poeta Bocage, Centro de Artes, Castillo y Playa. Los últimos 4 días, la programación empezaba a las 17hs y acababa después de las 5 de la mañana. Un gran maratón musical con más de 50 conciertos de diferentes estilos. Delante de tanta variedad nos costó hacer una selección de los mejores directos. Seleccionamos los artistas que nos llamaron la atención de alguna forma, por su originalidad y excelencia musical.
Saul Williams, poeta, actor, cantante y activista neoyorquino nos presentó una performance que trata de una hiper-modernidad de paradojos, en que la alta tecnología convive con la pobreza más extrema, un mundo de papeleras y smartphones brillantes. Un espectáculo impactante donde su lluvia de palabras punzantes acompañada de visuales potentes con mensajes llamando a la resistencia al poder dominante.
El compositor, cantante, guitarrista brasileño Makely Ka nos trajo sus composiciones críticas y osadas. En su música, se perciben ecos del movimiento de la Antropofagia - culturas indígenas, africanas y europeas deglutidas para hacer nascer algo nuevo. Una bello descubrimiento de uno de los principales interlocutores de la escena musical en Minas Gerais.
N3rdistan es una banda franco-marroquí que repiensa y mezcla diversas dimensiones, épocas, culturas, estilos e instrumentos, viajando desde hip-hop, rap, electro-rock a las melodías árabes más tradicionales. Con la voz del desconcertante y fascinante Walead Ben, acompañada de la kora africana y la flauta Peul, se cantaron poetas antiguos del Levante y del Al-Andalus , así como poemas propios en un dialecto árabe “darija” que se habla hoy en Marruecos.
Los brasileños Metá Metá, que en la lengua yorubá significa "tres al mismo tiempo", son Juçara Marçal (voz), Thiago França (saxofón) y Kiko Dinucci (guitarra). Vienen de São Paulo y siguen un camino por la música urbana con sonoridades afrobrasileñas - candomblé de los pueblos yorubá, fon y bantu. También pasean por el jazz, rock y sonoridades del norte de África. Aquí puedes leer nuestra entrevista a Metá Metá.
El dúo de Copenhague Den Sorte Skole nos llevó en un viaje negro a través de todo, desde canciones tradicionales marroquíes a himnos tribales indígenas pasando por grabaciones de pigmeos de Camerún, reggae de los Himalayas, ruido industrial francés o música electrónica alemana. Simon Dokkedal y Martin Højlandcontaron historias musicales a través del tiempo y del espacio, con sus miles de samples provenientes de más de 75 países y los visuales impresionantes del artista visual Dark Matters.
Las 3 hermanas israelís A-WA son hijas de padre de origen judío yemenita y de madre de origen mixto ucraniano y marroquí. Aprendieron de pequeñas canciones tradicionales yemenitas en árabe, que solían ser cantadas por mujeres, y aplican todo eso en su música, mezcla de esas melodías tradicionales con bases electrónicas o con reggae y hip hop. Son un fenómeno global de la música de Oriente Medio. Aquí puedes leer nuestra entrevista a A-WA.
La gallega Mercedes Peón, compositora, vocalista, productora y multi-instrumentista, trabaja la música tradicional con herramientas tecnológicas. Esta artista innovadora presentó un directo con temas originales, pasando por el cancionero de la Costa da Muerte a los recursos de la electrónica y polifonía.
Romperayo es un cuarteto instrumental colombiano que hace regresar a Sines el percusionista Pedro Ojeda, que ya había estado con Los Pirañas el año pasado. Es él quien marca el ritmo alucinógeno de esta incursión por los sonidos psicodélicos de la cumbia de los años 70 y por otros ritmos tropicales fundidos con la música electrónica y con el jazz.
Los sudafricanos de BCUC (Bantu Continúa Uhuru Consciousness) llegan de Soweto con su música afro-psicodélica. Cuentan historias de donde son, en zulú, sotho e inglés acompañados de tambores tradicionales en comunión con jazz surafricano, cantos de iglesia, blues, rock, rap. ¡Un concierto incendiario y una celebración de la vida!
La pintora que se convierte en cantante y compositora Gaye Su Akyol trae la profundidad de Anatolia para el cosmos de Estambul. Con melodías tradicionales, rock de Anatolia de los años 60 y 70, psicodélica y surf rock nos transportó a otra dimensión.
Además de estos 10 artistas, podemos nombrar 5 más que nos atraparon:
- Los colombianos Bulldozer con su "soukous hardcore" mezclado con funk y beats electrónicos.
- Las 10 portuguesas de Sopa de Pedra que nos presentaron el cancionero portugués con sus polifonías de otros siglos y geografías. - Oumou Sangaré, compositora, cantante y activista por los derechos de la mujer maliense, que trajo su wassoulou y magnetismo. Uno de los grandes nombres de la música africana.
- El músico de reggae hawaiano Mike Love y su guitarra acústica que se expande en los loops de la loopstation y gana el cuerpo de una banda entera.
- El hondureño Aurelio Martínez fue el representante de la música garifuna en el FMM Sines, cantando, tocando la guitarra y las percusiones, montando una buena parranda.
Volvimos a casa después de empaparnos con litros de diversidad musical y cultural. El próximo año hay más. Hasta pronto Sines!
Formado a partir de diferentes experiencias de Thiago França (guitarra), Juçara Marçal (voz) y Kiko Dinucci (saxofón y flauta), Metá Metá, que en la lengua yorubá significa “tres al mismo tempo”, es uno de los nombres aclamados de la escena musical independiente brasileña.
Metá Metá surgió en 2010 y lleva en su bagaje 2 EPs y 3 albuns: 'Metá Metá' (2011), 'Metal Metal' (2012) y 'MM3' (2016). El trío mezcla sonoridades de la música brasileña y africana, con otras influencias, como el free jazz y el rock, creando una sonoridad impar y altamente envolvente. Su sonido es oscuro, complejo, pero bailable. Su improvisación se sumerge en las estructuras acuáticas de las canciones.
Antes de su concierto en el FMM Sines, ellos nos hablaron de su música y la situación actual de Brasil. En la rueda de prensa también estaba presente el Jornal i de Portugal. FESTIVALEROS!: ¿Podéis hablar un poco sobre vuestro último disco 'MM3' lanzado el año pasado que grabasteis en 3 días? THIAGO FRANÇA: Para el primer álbum, juntamos el dinero, lo contamos y vimos que daba para hacerlo en 3 días. No queremos resaltar que fue en 3 días, pero es la forma que sabemos hacer, sabemos hacerlo rápido. Somos artistas independientes. Tenemos poco tiempo y pocos recursos, entonces tenemos que entrar y resolver. Al final, se convirtió en una forma legítima de hacerlo. También tiene que ver con nuestra forma de tocar, que es muy intrínseca. Creamos cosas que dependen mucho unas de las otras. Es un proceso que solo funciona con todos tocando juntos.
JUÇARA MARÇAL: La idea es aproximar al máximo lo que pasa en el concierto. Cuando se graba cada instrumento separado hay otro resultado. Igualmente válido, pero no funciona para nuestra forma de hacerlo. Queremos que se acerque al máximo como lo hacemos en el escenario. Grabamos una, dos y la tercera toma ya no hace falta, ya no tiene sentido.
TF: Principalmente las canciones que tienen mucha improvisación acaban saliendo siempre de primera. Porque la improvisación es algo que haces una vez, en la segunda vez ya dices 'jo, de nuevo', luego quieres evitar lo que habías hecho, y te bloqueas. Muchas canciones que estábamos grabando la segunda toma, las paramos en el medio y nos quedamos con la primera toma.
JORNAL i: Da la sensación que en vuestro último álbum la sonoridad está más dura. KIKO DINUCCI: Es nuestra vida, la vida del brasileño está más dura y eso se refleja en el disco. Cuando golpeamos con fuerza, estamos golpeando Temer. Es curioso porque en algunos países europeos por dónde circuló nuestro disco y la gente no entendía las letras en portugués y aún menos mezcladas con yorubá, los críticos sin entender las letras definieron el disco como la banda sonora del caos político brasileño. jajajajaja... No lo sabíamos. Es interesante ver como desde 2013 hasta ahora nuestro sonido ha quedado...
TF: Más duro.
JM: Más tenso.
KD: Más olla a presión. Tiene mucho que ver con la propia situación de Brasil. En 2013 empezó a crecer algo que nadie sabía donde llegaría y nadie aún sabe donde llegará, si puede empeorar. Creemos que puede empeorar aún más. Intentamos mejorar con la música, compensar, trayendo el sonido duro. Somos conscientes que a veces un mal momento en el país, en países con problemas de desarrollo económico, de dictadura o de golpe, los artistas tienen tendencia a ser más creativos.
TF: También nuestra historia está muy mal contada en los libros de historia. Los artistas tienen un poco de aflicción en este sentido. Si vas a dejar algo registrado, que sea algo que retrate un poco lo que está pasando, contar un poco la historia. Este momento político se refleja en todo, no es simplemente la política que está conectada con la cuestión del voto, pero también la especulación inmobiliaria, qué va a pasar en la ciudad, el aumento de la violencia generada por el desempleo y toda esta olla a presión que es la ciudad. Es muy difícil quedarse inmune a eso y decir 'vamos a hablar sobre el arco-iris, sobre el día bonito'.
KD: En el movimiento por los transportes había una minoría de la gente que estaba llevando una paliza de la policía. Esa violencia generó una cierta conmoción en la gente, que salió a la calle para pelear también en contra del aumento de los billetes de transporte. Pero, en el medio de todo eso, la gente empezó a chillar 'Fuera Dilma', 'Fuera todo', y ya no sabía lo que estaba haciendo allá.
JM: Fue una insatisfacción medio sin foco.
KD: La lucha por el transporte tocó un punto crucial del sufrimiento del brasileño. Los brasileños sufren cada día en el transporte, entonces fue algo que todos abrazaron. Pero, en el momento que evitaron el aumento de los billetes de transporte, ok, causa ganada. Luego, nadie sabía más qué hacer. Unos invadieron el Congreso y la presidenta Dilma en la época reaccionó muy bien y dijo que quería acelerar la reforma política en Brasil, que necesitaba nuestro apoyo. Justo después de su reelección, el Congreso la boicoteó y ella no logró ni a empezar esta reforma y la expulsaron. Es curioso. Había una embajadora de los EEUU que estaba en Paraguay cuando hubo el golpe hace unos años. Cuando hubo esta manifestación en Brasil, ella se mudó en seguida a Brasil en 2013. En 2014, fundaron el movimiento MBL, que es un movimiento de derecha, utilizando esta masa de gente, sabiendo en cuál dirección llevar esa masa.
Ji: El nombre Metá Metá es en yorubá. ¿Hay una intención de usar el yorubá? JM: En realidad, el yorubá está muy presente en la religión de la cuál los tres hacemos parte, que es el candomblé. Los orishas, los términos que vamos conociendo, las alabanzas, todo tiene que ver con el yorubá. De una cierta forma convivimos con este universo, con este lenguaje y vamos descubriendo más cosas en función de eso. Y eso aparece en la música inevitablemente. Todo de raíz africana.
KD: Absorbemos muchas cosas. Esa cultura yorubá nos llega a través de la religión y también somos conscientes que también pasa en Cuba, Puerto Rico, Nigeria, Haití, en todo el Caribe... También absorbemos muchas cosas, la influencia africana por ejemplo, de cosas que conocemos en youtube. Bombino tocando guitarra en el desierto.
JM:Kasai All Stars.
KD:Kasai All Stars, que son de Congo. Entonces, consumimos una cultura pop africana que ya no es aquella cultura ancestral brasileña que vino con los descendentes de africanos. Además de eso, acabamos siendo influenciados por muchas cosas.
TF: Y no solo de África. Hay una influencia clara, un mecanismo claro de improvisación libre, que también es mucho del free jazz americano de los años 60, que también coincidentemente tenía una mirada hacía la raíz africana. Los negros allí en aquel momento habían perdido la conexión y la querían retomar. También Coltrane va hacía el lado del spiritual jazz y empieza a traer timbales, con la participación de mucha gente, gente cantando. Hay muchas cosas. Hay cosas de la ciudad y el ruido. Vivo en el centro de São Paulo y escucho ruido todo el tiempo. Me despierto con martillo neumático en mi ventana, me voy a la cama con un camión de basura pasando a las 3 de la mañana. Vamos asimilando todo que nos rodea.
F!: ¿El viaje que hicisteis a Marruecos puedo haber influenciado este nuevo disco? JM: En realidad, podemos decir que nos inspiró de una forma porque cuando llegamos a Marruecos, empezamos a escuchar las radios de allá, los sonidos de la ciudad. No fuimos a investigar. Era algo de escuchar y aquella sensación sonora que percibimos allá de alguna forma entró en el disco. Los cánticos que escuchamos. Nos quedamos sensibilizados con aquello y de cierta forma eso aparece.
TF: Un misterio, una extrañeza en el aire. Ves que la dinámica del cotidiano de la gente era completamente diferente de la nuestra. Mirábamos las cosas y decíamos '¿qué está pasando aquí?' Había un poco de eso, de ser un poco inusitado.
JM: Los músicos de allá nos enseñaron un poco el gnawa, que tiene mucho que ver con la religión africana en Brasil, con el candomblé. Eso nos encantó. Tiago se compró una especie de cuerno. ¿Cómo se llamaba?
TF: No sabemos que es. El tío que me lo vendió hablaba poco francés y yo no hablo nada de francés y hasta que conseguimos entendernos, él siguió diciendo el nombre del instrumento, pero no lo sé. Son dos pajitas de bambú con un cuerno en la punta. Salen dos notas al mismo tiempo y es locura sacar estas notas. Sale un sonido como si dos cabras estuvieran chillando al mismo tiempo.
KD: Es divertido, porque al mismo tiempo que tenemos este choque cultural en Marruecos, hay muchas cosas familiares. Los mercados de allá eran muy parecidos a los mercados del Nordeste de Brasil, parecidos con la Feria de São Joaquim en Bahía.
F!: Los discos de Metá Metá están disponibles para descarga gratuita en vuestra web. Es una forma para que la gente conozca vuestro trabajo, además de los festivales y luego empiece a seguir el grupo. JM: Sí, en estos festivales que tienen un foco más independiente, más alternativo, como Psicodalia en Santa Catarina, sur de Brasil. En 2012, fuimos indicados al Premio Multishow, que es un premio de Rede Globo. Creo que eso pasó porque había mucha gente hablando de Metá Metá por la vía de internet.
TF: Me abuchearon. Ellos me abandonaron, tuve que ir solo allí.
JM: Lo miramos por la tele.
KD: Te dimos nuestro apoyo. jajajaja.
TF: El propio premio ya es una falacia. En realidad, él existe para que Ivete Sangalo aparezca en la tele, que es una de las 3 artistas más populares de Brasil y para dar audiencia. Las personas no están interesadas en quién va a ganar, quieren ver a Ivete. Estábamos concurriendo a tres categorías: mejor álbum, mejor versión y música compartida. Ganamos música compartida, que son álbuns lanzados por internet. Cada vez que ella nos anunciaba había un grupo de gente que nos abucheaba. Las personas que asisten asiduamente la tele no nos conocían y se enfadaban. Fue una confusión. Recibí el premio y no sabía que tenía que quedarme en el escenario. Marché y dejé al presentador hablando solo. En la puerta del Multishow, no paraban de llamarme antipático y jilipollas.
F!: ¿Podéis hablar de las colaboraciones que habéis hecho? KD: Cuando vas a tocar con un artista de cultura popular, no es aquello de 'vamos a lanzar un disco'. Juçara ya hizo cosas más profundas en este sentido. Normalmente estás en la fiesta y alguien te invita a tocar un tambor y lo tocas y bebes una cachaça junto. Es más bien una vivencia que una colaboración.
TF: Hoy de todas las cosas que hacemos, Metá Metá tiene una notoriedad mayor, nunca planeamos hacer algo determinado. En Metá Metá desagua la influencia de nosotros tres. A veces es difícil tener alguien de fuera junto con nosotros. Colaboramos con muchas otras personas, tenemos muchos proyectos paralelos. Con Metá Metá hemos creado eso de tocar juntos.
JM: Hay una afinidad con varios artistas y a veces hacemos un concierto con una participación. Por ejemplo, el otro día hicimos un concierto en Circo Voador con Siba, que es muy cercano a nosotros. Canto una canción suya "A velha da capa preta" en mi álbum 'Encarnado' (2014). Hay estas conexiones que a veces pasan, pero no es algo programado.
TF: Hay que mencionar que lanzamos el EP 'Alakorô' con Tony Allen. Fue de las pocas grabaciones. Él nos envió las baterías y nosotros creamos algo de una forma completamente diferente de lo que solemos hacer. De llegar la batería e ir al estudio para crear, montar, editar. Normalmente nunca hacemos eso. Y también Rodrigo Campos participó en el primer y en el segundo álbum, tocando cavaco.
Desde Corea del Sur aterrizan en el FMM Sinesen Porto Covo las tres divas retro: The Barberettes.
Este nuevo fenómeno de la isla asiática resucita las covers de los éxitos americanos de los años 60 como "Be my baby" (The Ronettes, 1964) o "Mr. Sandman" (The Chordettes,
1954) con elegancia y una estética retro pop. Antes de su concierto
encontramos la elegante líder Shinae An Wheeleracompañada de sus
cantantes So Hee Park y Sunnie Lee Kyeong. Las tres músicas están vestidas con impecables trajes marineros vintage. Charlamos de cómo empezó esta
aventura y cómo se sitúa su música de barbershop dentro de la escena
surcoreana.
Festivaleros!: ¿Cuándo os habéis encontrado y por qué habéis decidido cantar este tipo de música juntas? Shinae An Wheeler: Hemos empezado en octubre de 2012. Estuve en la misma escuela de música (Kwangwoon Conservatory of Music en Seúl, Corea) con So Hee. Decidí crear este grupo con ella. Sunnie Lee se juntó al proyecto en 2015. Ella está con nosotros desde hace 2 años y medio. Sunnie estuvo en la escuela de Seoul Institute of the Arts conmigo hace 10 años. Me gusta mucho este estilo de música. Un día en Seúl, estuve surfeando una app de radio donde eliges tu estilo de música, y me enamoré de la categoría “classic grooves”como The Golden Quartet Gate, The Chordettes, The Ronettes, The Andrews Sisters y pensé “wow quiero hacer ese tipo de música”. Elegí algunas canciones conocidas de esta época para cantarlas como “covers” y llamé a mis amigas para empezar a trabajar. Fue muy divertido y fue un hobby al principio. Ahora estamos de gira por todo el mundo.
F!: Para el público que no os conoce, ¿nos podéis explicar qué es vuestra música y qué es el doo-wop? SAW: Bueno, primero cantamos solo canciones originales inspiradas por covers. Por ejemplo, si miras en nuestro canal youtube. la canción "Be My Baby" (The Barberettes) es un cover de The Ronettes, que se puso muy viral. Ahora la gente nos reconoce con ese vídeo. Hemos intentando grabar y crear nuestra versión y cantarla en armonía.
F!: ¿Qué vais a presentar esta noche? SHP: Lo vamos a pasar bien con mucha diversión. La setlist será una mezcla entre covers y canciones originales. Tendremos ritmos y acordes similares en varias canciones entonces será un concierto muy continuo.
F!: ¿Os consideráis como una banda pop? SLK: Sí, totalmente. Somos un grupo pop, Korean "rookie" pop. Tuvimos varios premios en 2015 como mejor álbum pop 'The Barberettes Volume', mejor canción "Little Gals" y mejor banda principiante "rookie" del año. Somos una banda pop porque cantamos con buenas melodías y buenas letras. Creo que las mejores canciones pop son de los años 50-60 y nos gusta cantar estas canciones, pero no cantamos el tipico K-pop de Corea del Sur.
F!: Tocáis una música elegante y vuestro estilo es muy elegante, lleváis ropas muy bonitas. SLK: Somos salvajes, no elegantes. Para cada show cambiamos de estética para sorprender nuestro público.
F!: En septiembre de 2016 habéis sacado la canción "Love shoes" con Stuart Zender, bajista de de Jamiroquai. ¿Estáis planeando nuevas colaboraciones en el futuro? SLK: Nos gustaría mucho colaborar con Michael Bublé, él tiene un buen estilo y creo que sería una buena armonía cantar con él. Podemos plantear esto sí.
F!: ¿Nos podéis contar un poco sobre la escena musical de vuestro país Corea del Sur? SLK: Pues, ahora se pone mucho de moda en Asia el k-pop. Corea es el punto de intercambio de la pop music en Asia. Hay una industria pop muy grande en Corea del Sur y no fue así hace 10-15 años. Antes Japón tenia el top de la industria. Ahora la cultura k-pop en Corea está casi igualada con Japón. El éxito viene en parte a los videoclips que tienen muchos visuales y coreografías con movimientos muy detallados. Los videoclips han seducido un público nuevo que le encantó bailar como los cantantes de k-pop music. Eso es nuestra industria musical en nuestro país que crece cada año más. Nosotras estamos intentando hacer algo más diferente.
F!: Nos podrías recomendar artistas de Corea del Sur?
SLK:Sun Woo Jung Ah es muy famosa como artista de k-pop y me gustan mucho sus letras. Su música es única, tiene un toque indie-pop y es muy talentosa.
SHP:Sultan of the disco, de la escena independiente, son muy cómicos y hacen muy buena música. Tienen un toque muy sofisticado.
SAW:Red Velvet tienen una gran calidad musical, mis favoritos de la escena k-pop.
F!: ¿Qué estáis escuchando últimamente? SHP:Harry Connic Jr. fue actor principalmente en los años 90, pero también es un súper músico. Él hizo las bandas sonoras de 'When Harry Meet Sally'. Harry escribió también muchas canciones y soy súper fan de él.
SAW: Me gusta mucho EXO. SLK: Desde hace poco escucho a Richard Hawley, un artista pop ingles del grupo Pulp.
F!: ¿Queréis añadir algo? SLK: En esta gira europea es la primera vez que venimos a Portugal y España, y lo hemos pasado muy bien. Sentimos que somos bienvenidas y amadas y esta sensación nos inspira mucho artisticamente. Apreciamos mucho que vosotros os interesáis por culturas distintas. Esperamos volver pronto.
Durante el FMM Sines tuvimos la oportunidad de entrevistar al trompetista Sebastian "Zorra" y al percusionista Rodolfo "Tio Rodi" de Chico Trujillo antes de su prueba de sonido.Esta orquesta chilena que mezcla la cumbia clásica con bolero, música latinoamericana, reggae, rock y ska lleva más de 15 años en la carretera presentándose en diversos países europeos y americanos. Han sabido mezclar pedazos del pasado con la influencia global de la cultura alternativa y lo han fusionado todo bajo la bandera Panamericana de la cumbia. Aquí os dejamos nuestra charla acerca de la cumbia en Chile.
FESTIVALEROS!: De los estilos tradicionales de música como la cumbia, ¿cuáles han influenciado vuestra música y por qué?
SEBASTIAN “ZORRA”: Aunque es originaria de Colombia, la cumbia está presente en toda Latinoamérica desde los años 60 en adelante. Cada país le da su saborcito, su toque... Nosotros lo que hacemos es cumbia directamente. Por ahí cuando no se escucha cumbia, se escucha un poquito quizá de ska, de punk rock, reggae, diferentes estilos y eso porque nosotros venimos de otro estilo también. Escuchamos siempre la cumbia, pero empezamos tocando otros estilos en nuestra juventud. Todo se mezcla de forma natural. Es como una gran mezcla lo que hacemos con Chico Trujillo.
TIO RODY: Nosotros hicimos muchos viajes y hemos recorrido también un poco Sudamérica, México y EEUU. Nos hemos influenciado por las distintas corrientes con las que hemos encontrado. La cumbia tiene un cordón largo que recorre casi toda América Latina y en cada lugar se vive y se toca de manera distinta. Es originaria de Colombia y nosotros hemos cogido algunos ingredientes chilenos como la música del norte de Chile, que también es la música de Perú y Bolivia, la música del Altiplano.
F!: ¿Cómo es la música del norte de Chile?
TR: Usan zampoñas, que son instrumentos pequeños hechos de caña. Los mezclan también con vientos, con bronce.
SZ: Y tienen una rítmica bien especial. Es una música tradicional que se vive y se toca en este lugar: el altiplano boliviano chileno peruano. Es algo bien especial. Por lo menos en Chile se escucha constantemente por los grupos que existen en el norte de Chile, en Perú y en Bolivia. Es la música de ellos. Es una música folclórica que compartimos. Eso se mezcla realmente con todo lo que hacemos. Como lo dice Tio, son influencias de viajes, de cosas que traemos nosotros también, las bandas que hemos escuchado desde chicos, pero lo que hacemos es cumbia.
F!: ¿Compráis discos cuando vais de viaje?
TR: Yo vinilos siempre sí. En México, Colombia, Perú hay muy buenos vinilos. Hay muchas bandas increíbles.
SZ: Yo tengo una colección gigante de Cds, no de vinilos. Un material que estoy escuchando constantemente mientras estoy tomando cerveza en la casa. Un material que se escucha siempre a todo volumen. En mi casa no tengo televisor, tengo una colección de discos, una radio, un refrigerador y listo.
F!: ¿Habéis notado que últimamente se escucha más cumbia en Europa? ¿Qué pensáis sobre eso?
TR: Nosotros vinimos acá la primera vez en el año 2002 y encontramos a Mambotur, que ya estaban haciendo un poquito de cumbia con electrónica, intentando mezclarla en Berlín. Ha habido un desarrollo muy grande porque nos hemos encontrado con bandas locales que estaban haciendo cumbia a lo largo de nuestro recorrido por ciudades de Europa, como Brusselas, Lyon y muchas de distintos países. Entonces, después de muchos años, no solamente la gente escucha, sino que hay gente interesada en interpretarla. Cada uno con su toque, en Barcelona se hace de una manera, mezclada más con rumba y así. Y no son solo los chilenos, pero los latinoamericanos. Hay bandas con mexicanos, colombianos, ecuatorianos, chilenos... Eso demuestra que está creciendo.
SZ: La primera vez que vinimos no había había ninguna banda haciendo cumbia. La salsa siempre se ha conocido muy bien, la música cubana, pero la cumbia no. Nos costó mucho explicar a la gente en Alemania, Suiza qué era la cumbia. Era una cosa nueva. Pero, realmente la música habla más que las palabras y a la gente le encantó desde principio. Creo que por eso también ahora se encuentre más grupos de cumbia. No lo sé, conozco alemanes que tocan cumbia. Es un desarrollo bastante entretenido y creo que lo lógico también porque la música es muy sencilla, súper linda. Es algo muy directo, no tiene una pared rítmica complicada. Es una cosa muy chichichichichichichi... listo. No hay tantanton tontontontantan... No sé rompe nada, no se rompe el ritmo. Es bonito eso, que donde se toque eso, la gente lo va a comprender. Es directo, no hay que ser un bailarín, no hay más, que puede ser tú mismo rallando una cebolla en la cocina. Chichichichichichichi... Sí, es verdad, eso es lo bonito de la cumbia. Desde el 2002 hasta ahora, por eso creo que hubo ese desarrollo tan grande. No se necesita ser un virtuoso, un estudioso ni nada. Lo único que tienes que tener son ganas de escuchar y pasarlo bien con los amigos y listo.
F!: Desde vuestro primer álbum “Arriba las nalgas” (2001) hasta “Reina de todas las fiestas” (2015), habéis notado una evolución en vuestra música?
SZ: Sí, claro, ha habido una evolución. Nosotros empezamos tocando en Villa Alemana, que es un pueblo y después de allí para el mundo.
F!: ¿Todos los músicos venís del mismo pueblo?
TR: Realmente, ahora se fueron sumando músicos de otros lados. La banda es de la quinta región, zona que está costera de Santiago. Teníamos un sonido, viajamos y nos vimos desde afuera hacía Chile, nos vimos desde lejos. Todo esto es un crecimiento. Y además las influencias que fuimos acumulando con el tiempo.
SZ: Sí, creo que estamos en constante desarrollo por lo mismo que te dije en el principio, de que se va nutriendo de los viajes, se va nutriendo de que escuchaste algo nuevo acá, algo nuevo allá, de que te acordaste de algo que escuchaste cuando tenías veinte años... Es algo que está en desarrollo. La idea siempre fue “hagamos lo que salga en el momento, en este momento de ahora, qué es que nos gusta ahora y qué es lo que queremos hacer. Eso da pie para que siga desarrollando, desarrollando y transformando en cualquier tipo de monstruo.
F!: ¿Qué estáis escuchando últimamente de música de Chile?
SZ: Yo, realmente, de música de Chile lo que escucho es la otra banda donde toco, que se llama La Floripondio. No escucho mucha música de Chile, escucho a amigos que tocan en Chile. Escucho también otras cumbias. Vas a una fiesta y la gente está escuchando cumbia. A lo mejor para decirte algo novedoso, escucho a un tío que canta pop del tipo Madonna casi, que se llama Álex Anwandter. Hace pop, pero entretenido también, bailable, súper bueno. Pero, lo otro que escucho es como te digo La Floripondio, que es el otro grupo, de rock mezclado con ska, mezclado con todo tipo de cosas, de locura. (Al final de la entrevista cuando se levantaba para hacer la foto, nos enseña la camisa que llevaba de David Bowie y nos dice que lo escucha cada día)
TR: Yo tampoco escucho mucho la radio, no sé mucho lo que está sonando, pero escucho un disco de electrónica de Matías Aguayo, que me gustó mucho, minimalista, medio de tribu, pero electrónica. Y el resto es el mismo que Sebastian, prácticamente, las bandas de los amigos, un sinfín de nombrar, son bandas locales, bien pequeñas... Bueno, y las bandas clásicas también, como los Jaivas, música del folclore chileno.
F!: Vais a estar en el festival Sziget en Budapest este año. Vamos a verlos de nuevo allí. ¿Qué pensáis sobre el festival y qué expectativas tenéis por tocar allí en Budapest?
SZ: Es la primera vez en Budapest. Bueno, el festival es bien famoso. Será como una gran fiesta mayor. Para nosotros es súper loco ir a Budapest, un lugar tan alejado de Chile, pero estamos contentos porque lo que hacemos es una fiesta grande. Nos gusta hacer la fiesta y donde vamos la gente siente la energía de la fiesta. En todos los lados a la gente le gusta la fiesta y nosotros somos expertos de la fiesta. Entonces estamos contentos de ir allá para mostrar a la gente como celebramos la vida, como celebramos los chilenos. La expectativa es que lo vamos a pasar súper bien.
F!: De estos 15 años, ¿tenéis uno o dos recuerdos de algún concierto, o algo emocionante o una anécdota?
SZ: Hemos tocado mucho, creo que hemos tocado unas 2.000 veces o quizás más, de verdad. Pero, un recuerdo que tengo fuerte, que creo que para todos fue un recuerdo fuerte fue una vez que tocamos en Berlín 40 días seguidos. 40 días, todos los días en el mismo lugar. Cuando partimos, yo les dije "cuál es la idea de tocar 40 días, a parte de destruirnos el cerebro y el hígado...jajajaja ¿Va a venir alguien el día 40? Esa era la pregunta. ¿Quién va a querer venir al día 40?"
F!: ¿Quién tuvo la idea de eso?
SZ: Tuvo la idea Macha, el cantante, que está loco. En el bar donde tocábamos dijeron que era una buena idea porque también eran unos locos. Durante estos 40 días, cada día llegó más gente y el último día fue increíble, fue muy bueno. Fue épico también. Por eso lo recuerdo. Hay conciertos que uno va y toca una vez y muy lindo. Tenemos mucha suerte de recibir mucho cariño de la gente porque es un poco lo mismo. Es música tan sencilla, tan del corazón que hacemos, que lo único que queremos es compartir con la gente. Creo que la idea nunca ha sido demostrar nada, demostrar algo así muy especial, no. La idea es compartir y llevar alegría y amor. Entonces, siempre se genera algo bien lindo, pero creo que esos 40 días tuvo algo así como titánico. Todos los días me acosté a las 8 de la mañana, y cada día decía "ya está, hoy es el último día. Mañana me voy a tocar y me voy." Eso fue muy especial.
Volvemos a la Isla. Sziget Festival, Obuda Island, la Meca de los Festivaleros. Un lugar irreal que se sale de las coordenadas de festival que tenéis en mente. Da igual el cartel, una vez que atravieses el puente y pongas el pie en esa isla, el lugar te atrapará para siempre. En lugar de copiar y pegar la información práctica de la página oficial de Sziget, en la que está todo muy bien explicado, os vamos a dar unos consejos de veteranos que os pueden resultar realmente útiles.
No te olvides de llevar
Mete en el equipaje ropa
de verano sí, pero también algo de abrigo y calzado cómodo y cerrado:
vas a caminar mucho y bailar más, a veces sobre los charcos y el barro.
Del viernes al sábado anuncian tormenta toda la noche: chubasquero o
poncho, imprescindibles. Bañador y chanclas para las duchas.
Llegar a la isla
Si llegas a Budapest en avión la mejor opción es, sin duda, pillar nada más llegar al aeropuerto uncitypass. Si venís a 3 o 4, la opción del taxi no es despreciable, será algo más rápido y algo más barato. Si vais con mucho tiempo, podéis arriesgaros a la ruta del Inca, con bus-tren o metro tren más caminar a pie entre 2 y 3 km, pero no os lo recomendamos. Para los que lleguéis en bus o en tren, entrad en la red de metro y llegad a la estación de Batthyany Ter para pillar el cercanías verde y bajaros en la estación marcada con la palabra mágica Filatorigat. Hay un suplemento sobre el billete de metro normal, pero lo podéis adquirir en la taquilla diciendo la estación de destino final.
Instálate en Obuda
Si has seguido nuestros consejos de otros años y no has comprado un innecesario camping privado, tómate tu tiempo para escogerun buen lugar para acampar. Evita quedarte demasiado cerca de los grandes escenarios, sobre todo del Telekom Arena y el Colosseum, donde hay fiesta hasta las 8 AM, de las líneas de WC y contenedores, sobre todo si están más altas que tú, y de las zonas de las grandes avenidas próximas al centro de la isla que tienen mucho ruido mañanero. Piensa también en las zonas inundables y en el sol de la mañana. Tienes un parque entero para elegir!
Avituallamiento
Una vez montada la tienda, lo suyo es echarse una cerve, claro. Para pagar en el festival se necesita una tarjeta de prepago Festipay que podéis adquirir y cargar con tarjeta o efectivo. El metálico debe ser en moneda local, pero hay puntos de cambio en la isla. Con la tarjeta pagáis bebida y comida y podéis comprar en las tiendas de toda la isla. Al final te devuelven lo que no hayas gastado, hasta las 12 del día de salida, incluido el precio de la tarjeta si no la quieres conservar.
A la salida del puente a la derecha, a un kilómetro, hay un Szupermarketen el que encontrarás todo lo necesario. Para llegar a él solo tenéis que cruzar el puente y seguir a los festivaleros. Recordad que no se puede meter alcohol ni vidrio en el festival y que a veces ponen pegas si intentas pasar más de dos litros de agua mineral de una sola vez. Por lo demás no hay problema. Si llegáis muy pronto podéis comprar allí material de acampada: tiendas, esterillas, sacos...
Si vas al Szuper, cuidado con el color de los tapones de las botellas de agua mineral: es fácil confundir las botellas con y sin gas... y no olvides comprar algo contra las hormigas!!
Para la alimentación de aparatejos: hay zonas de carga de móvil, pero en los momentos de máxima afluencia puede resultar misión imposible. Si tienes un powerbank, no estará de más llevarlo.
Seguridad
Un consejo básico para este y otros festivales: no dejes el equipaje hecho y cerrado dentro de la tienda!! Es raro que alguien te entre en una tienda a robar algo pero puede ocurrir: si encuentra un solo bulto con todo, su tarea será más fácil que si tiene que buscar por toda la tienda lo que pueda ser de valor. De todos modos, una vez cargado el Festipay, deja todo lo de valor en una de las consignas o cajas de seguridad, incluido pasaporte y tarjeta de crédito. Por lo demás, es un sitio seguro: rara vez hemos visto peleas. La agresividad brilla por su ausencia en Obuda Island.
Qué hacer en la isla?
Disfrutad al máximo, por su puesto. Explorarla de una punta a otra y no os preocupéis por nada que en la isla todo tiene solución. Vuestro horario vital va a cambiar, vais querer hacer todo y consumir mucha energía sin daros cuenta, sabemos que no olvidaréis hidrataros, pero estad atentos al bajón de mitad de semana. Pase lo que pase, no os rindáis: si os llega la pájara, una siesta en cualquier parte y vuelta a la batalla. Dejaros llevar porel flow: el camino hacia donde queréis ir os descubrirá cosas más interesantes que lo que ibais buscando. Nunca os vais a perder en una isla llena de amigos!
En cualquier momento en que no sepáis qué hacer, el World Music Stage siempre es una buena opción. Para el mañaneo, en la explanada del Main Stage hay bares que cierran tarde. Mención especial al de la escena de tributos (Budapest Park Tribute Stage, 31 en el mapa), para los que busquen una alternativa a la electrónica del Arena, el trance del Colloseum o la comercial del resto de bares del Main Stage.
Y si tenéis cualquier duda o queréis uniros a nuestro campamento festivalero, poned un comentario en este post, enviadnos un mensaje o buscadnos en el mapa. Este año tenemos dos posibles puntos de acampada, marcados con una F! Búscadlos en el mapa y os contamos más secretos.
